BRÜSSEL/ La Monnaie: SHELL SHOCK von  Nicholas Lens. Weltpremiere der Oper – 25.10.14

Foto: Filip Van Roe

 Am vergangenen  Wochenende hat im Theater La Monnaie in Brüssel hat die Weltpremiere der Oper „SHELL SHOCK“ stattgefunden (Musik von Nicholas Lens, Libretto – Nick Cave), die im Rahmen der globalen Feier der Hundertjahrgedenken rund um  der Ausbruch des Ersten Weltkrieges aufgeführt wurde.

Ich habe mir diesen Spektakel aus dem polnischen Blickwinkel angesehen, von wo ich komme und wo das Martyrium sehr verwurzelt ist, wo  der Krieg von der Seite der Opfer gezeigt wird,  wo sie als Helden präsentiert werden, indem man ihre Hingabe in dem Kampf im Namen der bekannten Ideen und Werte zeigt: Glaube, Vaterland, Gutes, Gerechtigkeit, Wahrheit.

Glücklicherweise hat diese Mannschaft bei der Vorbereitung eines neuen Werks über die Kriegsthemen auf einer psychologischen Analyse des negativen Phänomen des Krieges  gesetzt. Kann nämlich ein in sich selbst negatives Phänomen irgendwelche positiven Ergebnisse erwecken? …

Vor allem hat mich das Libretto des Werks erstaunt, das aus 12 Linien besteht, die eine Chance für seine individuelle, persönliche Wahrnehmung und Interpretation gibt und dadurch uns zum tieferen Nachdenken über seinen Inhalt zwingt.

Nick Cave hat sehr geschickt die Worte zu jedem von ihnen gewählt,  hat uns 12 Zeugnisse von Menschen gezeigt, die Opfer des Krieges sind –  und diese sind nicht nur Soldaten, die eine aktive und direkte Teilnahme an Kampf genommen haben, sondern auch Mütter, Ehefrauen, Kinder, aber auch medizinische Betreuer während des Krieges, die den direkten Kontakt mit den körperlichen Auswirkungen der Kämpfe gehabt haben, weil „Shell Shock“ – eine Gruppe von post-traumatische Belastungsstörung namens „Artillerieschlag“ oder „Syndrom der Kampferschöpfung“ berührt auch Menschen aus dem direkten Umgebung der kämpfenden Menschen. 

Foto: Filip Van Roe

Der Schöpfer des Librettes hat uns perfekt gezeigt, dass der Krieg nicht nur materielle Spuren hinterläst – Blut, Wunden, zerrissene Körper, aber auch Spuren die wir nicht sehen und anfassen können – zerrissene Köpfen, gezackte Persönlichkeiten, zerlumpte Menschenwürde. Spuren, die im Menschen für eine lange Zeit nach dem Krieg bleiben, die in diesen Menschen oft bis zum Ende ihrer Tage verbleiben. Und gerade auf dem geistigen , nicht dem körperlichen, Leiden, haben sich die Schöpfer dieser Oper konzentriert. Davon kann zum Beispiel die Verwendung von der weißen reinen Szenografie und sauberen, sehr genauen und bunten Kostümen  zeugen, die meiner Meinung nach eine ideale Maßnahme in diesem Kunstwerk war. Wir verherrlichen oft die Kriegshelden, indem wir an sie als starke, perfekte Menschen denken, so perfekte, wie die Kostüme in dieser Vorführung, wir sind aber schwer im Irrtum. Es wurde uns brillant gezeigt, dass dies nicht die Helden sind, sondern ganz normale Menschen , die in die Armee aufgezogen worden sind, mit Ihren Ängsten, Schwächen und ihrer Furcht, die nicht einmal die Tränen in die Augen gedrückt hat. Den Menschen wurde nur eingeredet, dass sie die „Götter des Krieges“ sind.

Starke Worte, oder Schimpfworte im Libretto haben das Drama dieser Menschen betont und hervorgehoben – jene, die gestorben sind und diejenigen, die überlebt haben, und die allgegenwärtige Angst vor dem Tod. Es wurde auch durch die Musik in perfekter Harmonie mit dem Inhalt der Gedichte hervorgehoben, sowie die sorgfältig ausgewählte Sängern: Claron McFadden, Sara Fulgoni, Gerald Thompson, Ed Lyon, Mark S. Doss und sorgfältig durchdachte Choreographie.

Die weiße, strenge Szenografie konnte die weißen Gräber von Soldaten aus dem Ersten Weltkrieg in der Stadt Ypern in Belgien erinnern, die der 10-jährige Komponist beobachtet hat, als er allein auf dem Friedhof gesessen ist, schien es, dass die ganze Aktion der Oper in diesem Friedhof spielt und die Szenen spielen in den Köpfen der Menschen, die überlebt haben, und der Blick auf diesen Gräbern gemahnt an unangenehme, tief in dem Kopf gespeicherte Erinnerungen (Visualisierung von Kriegsszenen oder windende Körper).

Sidi Larbi Cherkaoui – Choreograph und Direktor dieses Spiels,  hat sehr genau die Bühnenbewegung entwickelt, es wurden buchstäblich die Details ausarbeitet; man konnte die Angst, den Schmerz, die Verzweiflung nach dem Verlust der nahen Person sehen. Ein sehr aktives Ballett hat hervorragend die  physische und psychische Zustände der Menschen während der Kämpfe gezeigt, in den Momenten, in denen sie verwundet wurden, und die weiße Leinen haben fast perfekt die Frontlinie symbolisiert, in die die  beschleunigten Menschen gefallen sind, um sofort auf den Boden zu fallen; vielleicht verletzt, vielleicht tot. Diese Leinen könnten auch ein Symbol für die Hilflosigkeit in der Genesung von dieser Verletzung sein – ein Mann nimmt seinen Lauf, läuft um aus der deprimierenden Situation rauszukommen und plötzlich trifft er auf eine symbolische Mauer, die ihn zur Umkehr zwingen möchte … solche  Ohnmacht aus der Krankheit herauszukommen.

Foto: Filip Van Roe

Die Sänger und der Chor wurden ziemlich statisch geführt, was symbolisieren könnte, dass sie sich in einem depressiven Zustand befinden und Schwierigkeiten beim Gehen haben, die ein Symptom des posttraumatischen Stress sind.

Koen Kessels – musikalischer Leiter des Spiels, ist in der Lage, aus dem Orchester das zu bringen, was am Besten ist und hat das ganze Team des La Monnaie-Theaters mit der geschickten Hand zum Erfolg geführt. Herzlichen Glückwunsch!

 Iwona Karpińska / Wroclaw (Polen)