WIEN/ Konzerthaus: Il Pomo d’Doro und Jakub Józef Orliński. Der Kritiker kapituliert!
Der Kritiker kapituliert
Wenn etwas einen Kritiker in Verlegenheit bringen kann, dann ist es das Konzert von Il Pomo d’Doro und Jakub Józef Orliński am 1. Dezember. Die unüberwindliche Verlegenheit rührt daher, dass an der Aufführung nichts auszusetzen ist. Hinter diesem Satz verbirgt sich keine poetische Übertreibung, kein rhetorischer Kunstgriff und kein dramaturgischer Sprung. Auch beim Konzert war nicht der geringste Fehler zu entdecken. Das kommt einer Kapitulation des Kritikers gleich.
Das Seltsamste daran ist, dass das Konzert dennoch keine Katharsis hervorrief. Dabei war es in jeder Hinsicht eine Show. Und auch wenn es so scheinen mag, als würde die Feststellung all dessen ausschließen, dass ein Konzert „fehlerfrei” bleiben kann: Es war dennoch ein makelloser Abend.
Das Konzert war vielmehr eine Aufführung, genauer gesagt eine zeitgenössische Performance. Um zu verstehen, warum der Abend dennoch keine Katharsis hervorrufen konnte und warum dies dennoch kein ungelöstes Problem darstellt – wie eine Show ohne basarartige Aufmerksamkeitshascherei ein Genuss bleiben kann –, müssen wir die Aufführung in zwei Teile gliedern. Zunächst müssen wir die Ereignisse im Wiener Konzerthaus aus musikalischer Sicht betrachten, dann aus der Perspektive der Performativität.
Was die musikalische Struktur betrifft, handelte es sich um ein für Solostimme komponiertes Pasticcio. Es wurden Opernarien, Kantatenausschnitte, Serenaden und Canzonen aus dem Repertoire des 17. Jahrhunderts mit Kontratenorstimme aneinandergereiht. Die Gesangsstücke wurden nur durch ein oder zwei Instrumentalstücke unterbrochen, aber es wäre viel zutreffender zu sagen, dass sie den Abend und die Pausen des Publikums rhythmisierten. Die rein instrumentalen Stücke waren dringend notwendig, damit sich das Publikum nicht an den ständig erklingenden Kontratenor gewöhnt und Orlińskis Stimme ihre Unberechenbarkeit nicht verliert.
Orliński stand während der gesamten Aufführung im Mittelpunkt, was den Showcharakter noch verstärkte. Dementsprechend standen die Musiker nur in einigen Kammermusikstücken im Rampenlicht. Aber nicht nur dann wurde deutlich, wie hochqualifiziert diese Musiker sind. Hervorzuheben ist Miguel Rincont, der für einige Momente zum zweiten Solisten des Abends wurde. Sein Lautenspiel machte allen klar, dass die Rolle dieses Instruments in Ensembles nicht nur ergänzender Natur ist. Er wurde zu einem der wichtigsten Mitglieder des dreistimmigen Continuos (die drei akkordischen Instrumente Cembalo, Harfe, Laute oder Gitarre wurden durch drei Bassinstrumente ergänzt: eine Viola da Gamba, ein Barockcello und einen Kontrabass) und widerlegte damit alle Vorurteile hinsichtlich der begrenzten Dynamik. Il Pomo d’Doro schuf mit der ganzen Bescheidenheit und Freiheit der Alten Musik einen Hintergrund für Orliński: Die Tätigkeit des Ensembles wirkte nicht unterwürfig, sondern unverzichtbar. Sie dienten nicht der Show, sondern schufen einen Raum, in dem der Countertenor die dreihundert Jahre alten Stücke wirklich zeitgemäß gestalten konnte.
Orlińskis musikalische Ausbildung beschränkt sich nicht nur auf den technisch grenzenlosen Umgang mit seiner Stimme. Jeder Moment seines Musikverständnisses ist klar und verständlich, er war auch als Poser aufrichtig. Er konnte nicht anders, als sich an seiner eigenen Stimme zu erfreuen, aber diese Freude war nicht um ihrer selbst willen und nicht das Ergebnis narzisstischer Selbstverliebtheit. Er genoss gemeinsam mit uns den leichten Flug seiner Stimme, während er sie kindlich bestaunte und meisterhaft beherrschte.
Dennoch waren es nicht seine Gesangskunst und seine Musikalität, die das Konzert zu etwas Besonderem machten. Orliński spielte den ganzen Abend durch. Als Schauspieler, Tänzer, Pantomime und Opernsänger zugleich. Orliński ist nicht nur für seine hervorragende Stimme bekannt, sondern auch dafür, dass er sich in der Welt des Breakdance zu Hause fühlt. Im Vergleich dazu zeugt es von asketischer Zurückhaltung, dass er nur einen Tanzteil in die Aufführung einbaute, was auch den Vorwurf der Selbstzweckhaftigkeit entkräftete.
Orliński war ständig in Bewegung. Er stürmte auf die Bühne, um das Eröffnungsstück zu singen, und verließ zwischen den Stücken die Bühne, um in den Reihen des Publikums nach den noch nicht zum Ausdruck gekommenen Klängen der nächsten Arie zu suchen. Er wechselte fast ständig seine Kleidung: mal zog er seinen schwarzen Umhang aus, mal zog er ihn an, mal warf er seinen Mantel ab, mal verkleidete er sich als alte Frau. Und obwohl er das Publikum erst in seiner dritten Zugabe mit einbezog (damals ließ er einige Phrasen wiederholen, um dann seine Kadenz alleine fortzusetzen), musste das Publikum seine Komfortzone verlassen. Der gewöhnliche Konzertbesucher musste sich unwohl fühlen, denn er sah eine so lebendige und direkte Darbietung, deren Nähe und Spontaneität an die Commedia dell’arte erinnerte.
Es war eine zeitgenössischere Darbietung als die meisten Stücke oder Autorenabende der heute lebenden Komponisten. Ihre Modernität entsprang ihrer Unmittelbarkeit, ihrer Überraschungskraft und ihrer Natürlichkeit. Diese drei Aspekte ergaben sich zum einen aus den grenzenlosen Fähigkeiten Orlińskis als Sänger und Schauspieler, zum anderen aus der Neuinterpretation der Bühne (der gesamte Konzertsaal als kreativer Raum) und drittens aus der ästhetischen Beständigkeit der Musik. Besonders bewundernswert ist, dass sie gleichzeitig einen zeitgenössischen Eindruck hinterließen und mit konsequenter Strenge den historischen Kompositionen und Aufführungspraktiken treu blieben. Das Publikum hatte das Gefühl, dass die Nähe zwischen Alter Musik und zeitgenössischer Kunst im „ ” endlich zusammengefunden hatte.
Zsigmond Szilárd