Zurbarán im Louvre – Zwischen Repräsentation und Selbstreflexion

Eine Pariser Ausstellung zeigt die überwältigende Wirklichkeitsnähe der Malerei Francisco de Zurbaráns – und wie sein früh verstorbener Sohn Juan die Kunst des Vaters zu einer neuen sinnlichen Vollkommenheit führte.
Bereits der Prolog zur großen Zurbarán-Ausstellung im Pariser Louvre führt mitten hinein in eine der faszinierendsten Fragen der Malerei: das Verhältnis von Wirklichkeit und Abbild,
von Repräsentation und künstlerischer Selbstreflexion. Auf dem Schweißtuch der Veronika erscheint das Antlitz Christi wie ein unmittelbarer Abdruck auf weißem Stoff. Der christlichen
Überlieferung zufolge handelt es sich um ein nicht von Menschenhand geschaffenes Bild.

Foto: Hoffmann

Bei Zurbarán könnte man aus heutiger Perspektive beinahe an ein bedrucktes T-Shirt denken. Und unten links befindet sich ein kleiner, scheinbar aufgeklebter Papierzettel, dessen Ecke sich bereits vom Untergrund zu lösen scheint. Ein Trompe-l’œil, das die Illusion zugleich steigert und offenlegt. Der Künstler malt ein vermeintlich authentisches Christusbild
und macht dabei sichtbar, dass wir ein Kunstwerk betrachten.

Foto: Hoffmann

Die eigentliche Ausstellung beginnt mit Francisco de Zurbaráns Christus am Kreuz von 1627. Ein sensationelles Gemälde. Der Körper des Gekreuzigten tritt mit einer beinahe
erschütternden Wirklichkeitstreue aus dem dunklen Hintergrund hervor. Muskeln, Knochen, Haut und einzelne Blutstropfen sind mit größter Präzision dargestellt. Die Plastizität des Körpers lässt ihn fast wie eine Skulptur erscheinen. Und wieder findet sich unterhalb der Füße Christi ein kleiner, scheinbar befestigter Zettel mit der Signatur des Malers. Es ist, als würde Zurbarán uns ausdrücklich daran erinnern: Dies ist nicht der gekreuzigte Christus selbst, sondern ein Bild des gekreuzigten Christus, das ich, Francisco de Zurbarán, gemalt habe. Auch im Heiligen Serapion von 1628 findet sich dieses Spiel mit der Grenze zwischen Bild und Wirklichkeit wieder.

Die Ausstellung verfolgt Zurbaráns Entwicklung vom religiösen Auftragsmaler in Andalusien über seine großen Klosterzyklen, darunter die Darstellungen aus dem Leben des heiligen
Bonaventura, bis zu seinen Arbeiten für den spanischen Königshof in Madrid. Dort erweitert sich seine Bildwelt um mythologische Themen, insbesondere die Taten des Herkules. Die
monumentale Körperlichkeit, die dramatische Beleuchtung und die beinahe skulpturale Präsenz mancher Figuren erinnern an Caravaggio, gelegentlich auch an Rubens. Dabei
entwickelt Zurbarán eine unverwechselbare Bildsprache, deren Wirkung gerade aus der Reduktion und Konzentration entsteht.

Foto: Hoffmann

Foto: Hoffmann

Foto: Hoffmann

Besonders überwältigend sind seine Darstellungen der heiligen Märtyrerinnen. Junge Frauen in kostbaren Gewändern, mit Blumen, Broschen und Palmzweigen geschmückt, tragen die Attribute ihres Martyriums: die heilige Lucia ihre Augen, die heilige Apollonia einen gezogenen Zahn in einer Zange, die heilige Agatha ihre abgeschnittenen Brüste. Die grausame Gewalt, die diesen Frauen der Überlieferung nach angetan wurde, steht in einem beinahe unerträglichen Gegensatz zur Schönheit ihrer Erscheinung. Zurbaráns meisterhafte Darstellung von Seide, Samt, Stickereien und kostbaren Stoffoberflächen verleiht ihnen eine überwältigende sinnliche Gegenwart. Noch die feinsten Falten, Borten und Lichtreflexe scheinen greifbar, die Figuren geradezu körperlich anwesend. Es sind Bilder von verstörender Schönheit, in denen sich religiöse Verehrung, menschliches Leiden und malerische Virtuosität auf eigentümliche Weise verbinden.

Foto: Hoffmann

Foto: Hoffmann

Und dann die Stillleben! Früchte, Blumen und Gefäße erscheinen in einer geradezu fotografischen Präzision. Anders als bei vielen niederländischen Stillleben spielt die religiöse
oder allegorische Bedeutung hier eine untergeordnete oder gar keine Rolle. Eine Zitrone darf einfach eine Zitrone sein. Eine Birne eine Birne. Eine Blume eine Blume. Die Dinge behaupten ihre eigene Schönheit, ihre Materialität, ihr Volumen und ihre Präsenz. Die Oberflächen, die Reflexe des Lichts, das Verhältnis von Körper und Raum werden zu eigenständigen Gegenständen der Betrachtung. Die Virtuosität der Malerei rückt selbst ins Zentrum.

Einen besonderen Höhepunkt bildet die Begegnung mit Juan de Zurbarán, dem Sohn des Malers, der 1649 im Alter von nur 29 Jahren während der Pestepidemie in Sevilla starb. Er übernimmt die außergewöhnliche Präzision seines Vaters, löst aber dessen strenge, symmetrische, beinahe feierliche Ordnung auf. Seine Kompositionen werden bewegter, üppiger, ungebändigter, wilder. Blüten und Früchte verschränken sich, die Symmetrie weicht einer scheinbar zufälligen Fülle. Kostbare Gefäße, Früchte und Blumen entfalten im wechselnden Licht eine geradezu sinnliche Intensität. Innerhalb einer einzigen Generation lässt sich beobachten, wie aus der konzentrierten Ordnung des Vaters eine neue, lebendigere Bildwelt entsteht.
Unwillkürlich musste ich an den antiken Wettstreit zwischen Zeuxis und Parrhasios denken, den Plinius der Ältere überliefert und der zum kunsttheoretischen Bildungshorizont der Frühen Neuzeit gehörte. Zeuxis malte Weintrauben so täuschend echt, dass Vögel herbeiflogen, um nach ihnen zu picken. Parrhasios hingegen malte einen Vorhang, den Zeuxis für echt hielt und beiseiteziehen lassen wollte. Damit war der Wettstreit entschieden:
Während Zeuxis lediglich Vögel getäuscht hatte, war es Parrhasios gelungen, einen Menschen – und noch dazu einen Künstler – zu täuschen.

Ausgerechnet Weintrauben begegnen uns nun wieder in den Stillleben Juan de Zurbaráns. Helle und dunkle Trauben liegen dicht nebeneinander, jede einzelne Beere mit ihrem feinen,
matten Belag, ihren Lichtreflexen und ihrer beinahe greifbaren Rundung. Der antike Wettstreit um die täuschende Kraft der Malerei scheint sich hier über Generationen hinweg innerhalb einer Künstlerfamilie fortzusetzen. Schon der Vater hatte mit seinen gemalten Signaturzetteln die Grenze zwischen Bild und Wirklichkeit spielerisch infrage gestellt. Der Sohn führt die illusionistische Kunst in seinen Stillleben zu einer neuen, beinahe sinnlich überwältigenden Vollkommenheit.
Während Francisco de Zurbarán der religiösen Malerei bis zuletzt verbunden blieb, entwickelte sein Sohn in den Stillleben eine erstaunliche künstlerische Eigenständigkeit. Und
wenn es allein um die Schönheit ginge, hätte für mich Juan diesen Wettstreit gewonnen.

Foto: Hoffmann

Sein Stillleben mit Quitten, Weintrauben und weiteren Früchten ist von einer solchen malerischen Vollkommenheit, dass es mich beinahe zu Tränen gerührt hat. Wenn ich ein einziges Bild aus dieser Ausstellung mit nach Hause nehmen dürfte, wäre es dieses.
Die Ausstellung zeigt damit nicht nur die Entwicklung eines bedeutenden spanischen Malers und die bemerkenswerte Eigenständigkeit seines Sohnes. Sie erzählt zugleich von einer Kunst, die ihre Gegenstände mit größter Wirklichkeitstreue darstellt und dabei immer wieder die Bedingungen ihrer eigenen Darstellung sichtbar macht

Foto: Hoffmann

Fast drei Stunden habe ich in dieser Ausstellung verbracht. Es hätten noch viele mehr sein können.
Ausstellungsinformation
Zurbarán. 1598–1664
Musée du Louvre, Hall Napoléon, Paris
Oktober 2026 bis 25. Januar 2027
Kuratorin: Charlotte Chastel-Rousseau, in Zusammenarbeit mit der National Gallery,
London, und dem Art Institute of Chicago